SEMBLANZA
ORSO ANGULO CAMPILLO
Ciudad de México 1973
En
1992 inicia sus estudios en la Universidad Autónoma de Baja California Sur,
donde obtiene la licenciatura en Biología Marina, posteriormente el grado en Maestro en Ciencias (2003), y
Doctor en Ciencias (2009) en el
IPN-CICIMAR. Del 2013 al 2016 realizó estudios
posdoctorales en el Centro de Investigaciones Biológicas del Noroeste (CIBNOR)
campus Baja California Sur.
Su interés científico lo llevo a
escribir doce publicaciones en revistas nacionales e internacionales y la
descripción de cuatro especies nuevas de
moluscos marinos endémicos de México.
Sus actividades académicas lo llevaron
a realizar colaboraciones con diferentes instituciones como la UNAM, INAPESCA,
Secretaría de Marina, SCRIPPS, UC MERCED,
(por mencionar algunas), ha recorrido ambos litorales de la Península de
Baja California, ya sea buceando, visitando campos pesqueros, transitando en
lanchas, o en cruceros oceanográficos a lo
largo y ancho del Golfo de
California y la costa del
Pacífico.
Debido
a su constante inquietud, ha incursionado en diferentes oficios (herrería) y otras técnicas, como
fotograbado, grabado japonés, mozaiqueria, muralismo y cartonería.
En 2014, 2015, 2017, 2018 y 2019
participó como responsable de corte e instalación de los murales escultóricos
en metal “Testamento del Sol”, “El
Ingenioso Hidalgo y su fiel Rocinante”, “Cortéz Ballenero”, “La Lámpara de la
Sabiduría” y “Cactáceas” de la autoría de Aníbal Angulo, los cuales se
encuentran en la Universidad Autónoma de Baja California Sur. En 2018, junto
con Arturo Caballero y Paco Caamaño conforman el colectivo Morfos y realizan
diferentes murales del índole particular, como él mural conmemorativo a los 55 años
del INAPESCA, en el Centro
Regional de Investigaciones Pesqueras y Acuacultura en La Paz, B.C.S.
Cabe mencionar que no fue hasta 2017 donde se retira del
mundo académico y decide dedicarse tiempo completo al arte.
El
permanente contacto con las especies marinas y su inquietud por el arte lo motivo
a investigar la técnica del arte japonés
GYOTAKU, que le permitió realizar su primera exposición en 2016 titulada
“El Alma de los Peces”, en la Galería del estado Carlos Olachea. Posteriormente presentó “Estampas en el Tiempo”,
en el NIM, donde mostró un aspecto
más refinado. En 2017 develó “Confalones” en el Centro Cultural el Huevo, mostrando un
enfoque más contemporáneo al
antiguo arte del gyotaku, 2018 realizo su primera exposición en la
Ciudad de México, “IctioSudarium” en el Instituto de Biología en la UNAM, y
2019 develó “Ictio-Grafias”, durante el mismo año fue su primer acercamiento a
la fotografía, en “Alquimia”.
En lo colectivo ha participado en seis
exposiciones, donde cabe destacar “Octava Bienal Sudcaliforniana de Artes Visuales”, “C o l l e c
t i v e “ y en la Ciudad de
México, “Arte de Punta a Punta” y junto con Morfos, presentó “BallenoMorfas” en el Centro Cultural La Paz.
ENTREVISTA
Raúl Cota Álvarez- ¿Cuál fue
tu primer acercamiento a las artes visuales?
Orso Angulo- El primero...mmmm… fue en el estudio fotográfico
de mi papa, (finales de los 70`s). Ahí realizaba sus fotos, ya fueran para de
la revista donde trabajaban (revista Claudia) o su trabajo de fotografía
artística. Recuerdo que en esa época, entraban y salían amigos de mis papas,
que lo que tenían todos en común, era que estaban relacionados con el arte, ya
fueran fotógrafos, escritores, escultores, grabadores, coreógrafos,
maquillistas, modelos, de todo un poco, una fauna muy particular. También
recuerdo que en varias ocasiones, que los lunes a la entrada (la primaria), mis
amigos comentaban su fin de semana y cuando
me preguntaban ..”que hiciste el fin de semana..”, les contestaba que había ido
al museo con mi papa, a lo cual todos ponían una cara de asombro y de “asco” (jajajaja),
y si, ¡era cierto!, muchos pero muchos fines de semana eran como los llamo ahora, fines de semana
contemplativos, es decir, por lo menos una vez al mes era de museo en museo,
principalmente de arte, “Xs” galerías; o
ir a los viveros de Xochimilco incluso a “picnics” a la carretera vieja a
Cuernavaca, que en realidad era ver como papa hacia bocetos o tomaba fotos para
alguna nueva idea, exposición o simplemente inspiración para él. Entonces
podemos decir que desde muy temprana edad y que fue parte de mi crianza.
Otro recuerdo que tengo, fue cuando mi tío, (en
Taxco, si no mal recuerdo), me enseño un libro, el cual tenía unos dibujos
maravillosos de seres raros, como paraguas,
peces y unas figuras que nunca había visto!, me hipnotizaron, las
formas, pero sobre todo los colores y la capacidad de poder dibujar, tiempo
después supe que fue una edición especial de la revista de National Geographic
donde hacían un “reconocimiento” a las obras de Haeckel, que es considerado uno
de los primeros ilustradores científicos. Y creo que ahí o la combinación de
ambos, mi fascinación por el arte y la ciencia, cabe recordar que soy Biólogo
Marino de formación.
RCA- En tu trayectoria destaca el manejo con maestría
de distintas técnicas ¿Cómo ha sido tu experiencia al elegir con cuál
desarrollar cada obra?
OA- Muchas gracias, por lo de maestría, sigo
aprendiendo, y nunca lo voy a dejar de hacer. Yo creo que tiene que ver con mi
formación científica, la cual, me enseño que para hacer algo, primero tenía que
prepararme, ser capaz de analizarlo y al final llevarlo a fin. En ese sentido,
cada una de las técnicas son herramientas que se complementan entre sí, las
cuales enriquecen mi desarrollo como artista. Pero, volviendo a tu pregunta,…
mmmmm… me ha permitido incursionar en varios formatos, estampa, fotografía,
escultura, mixtas, cartonería, a perdón, ¿cómo elegir o con cual
desarrollar..?, ¿entre el tema y el momento?, me inclino más al momento, ya que
el tema puede estar pensado, pero el momento es el que indica cómo
desarrollarlo. Por ejemplo, el caso de BallenoMorfas, yo desde que vi las
intervenciones que hacían en la década de los 80´s y 90´s de objetos cotidianos
(arte pop), siempre quise hacer algo así, posteriormente el famoso “Cow parade”
en la Ciudad de México, me dio la pauta y los mares de Baja California Sur, el
objeto, la Ballena Gris, pero me faltaba el ¿Cómo?, este llego cuando conocí a
Arturo Caballero, (Maestro Cartonero), que acaba de llegar a la Paz (por alguna
obscura razón), y fue cuando me dije, él es el ¡Cómo! , platicamos, nos hicimos
amigos, me dio un curso de cartonería, invitamos a otro amigo, formamos el
Grupo Morfos y tres años después presentamos BallenoMorfas. Otro ejemplo es
“Alquimia”, por obvias razones siempre me ha gustado la fotografía, pero lo que
la gente no sabe es que odio cargar cámaras al igual que odio cargar con una
computadora personal, eso de desvivirte por cuidarla, cargarla, que no entre
arena, que no se caliente, que no se ralle, etc, etc., no puedo., bueno en fin, entonces, cuando parecen los
celulares con cámaras decentes, fue que dije esto es lo mío, pero aun así no
lograba la nitidez o el enfoque que yo deseaba, pero seguía teniendo esa
inquietud de hacer algo, fue en un viaje a la Ciudad de México visitando a mi
hermana (que curiosamente es diseñadora gráfica, otro acercamiento a las artes
visuales), me regalaron unos lentes para celular, de esos chinos, pero
decentes, y claro andaba con juguete nuevo probando los lentes, sin grandes
expectativas y de repente cayo una granizada!; De esas que se cae el cielo y
cubren de blanco la ciudad. Paso la tromba, y al salir a ver el granizo, me
encontré que los cactus de mi hermana tenían hielo (granizos), y empecé a tomar
foto con el lentecito macro a la contraposición (creo que así se dice o si es
incluso una palabra), del hielo con una planta desértica (si claro!, en la ciudad de México), bueno una cactácea o
suculenta, y en ese momento surgió la idea de Alquimia y se empezó a fraguar
hacer la exposición, y gracias al buen ojo de Alejandro Rivas (más conocido
como El Kato), que le gustó el proyecto, que fue presentado en el Faro.
Entonces puedo decir que es una combinación de tener los elementos
(conocimiento), pero inclino más por el momento, el que te dicta cual es cual y
como se va a desarrollar.
RCA- Cuéntanos acerca del Gyotaku, ¿Qué aprendizaje
deja la técnica y el proceso de plasmado en tu camino?
OA- Gracias al
Gyotaku, es como me inicié en este camino del arte (formalmente), creo que fue
y es mi fusión perfecta, ya que combina mis dos pasiones, la vida marina y
obvio, el arte. Me ha dejado muchas emociones, pero es un continuo proceso de
aprendizaje, ya que primero, nunca sé que pescado, me voy a encontrar o me
harán llegar, y dos ninguna impresión es igual a la otra (aunque sea del mismo
pez), ya que tiene que ver, que tan fresco esta, cuanto mucus y/o baba secreta,
el tamaño, el tipo de escama, cuanto tiempo estuvo congelado, el tipo de tela
que se usa, el entramado, la composición, el temperatura ambiente, son muchas
cosas, que hacen que cada impresión o estampa sea un reto, lo que implica que
cada vez que hago una sigo aprendiendo. Te voy a contar sobre tres exposiciones
que me han dejado huella, la primera “El Alma de los Peces”, e independiente de
que nadie olvida su primera exposición, fue muy emotiva, ya que surgió a partir
de unos estudios pesqueros que estábamos realizando frente a Bahía Madgalena, y
de estos siempre había mucho desecho, era triste ver todo lo que regresábamos
al mar. Entonces me surgió la inquietud de cómo mostrar esa tristeza, esa
impotencia sobre el daño que estábamos haciendo. Estando en el barco me dedique
a empezar a plasmar la captura, que es lo que sacábamos y en algunos casos que
era lo que desechábamos, fue muy emotivo el proceso ya que estaba empezando a
explorar la técnica y además la realizaba en un pequeño “cuarto”, de 2x2, entre
cajas, muestras biológicas, equipo de navegación y claro el movimiento del
barco. Incluso hubo ocasiones que cuando estábamos en el muelle, veía a los
barcos sardineros descargar, me ponía platicar con el encargado de la descarga
y cada vez que salía un animal (no sardina), se lo pedía, y él me miraba con
cara de ...”para que lo quiere?, bueno biólogo al final de cuenta..” y me lo
entregaba (tiburoncitos, pequeñas rayas, calamares..), y a veces ellos mismos
lo tiraban al muelle para los pelicanos o gaviotas que andaban pululando, pues
ahí me veían tratando de ganarles, jajajaja, pocas veces lo logre. El punto es que era una gran tristeza,
lo que se tira. Ya una vez que considere que tenía suficiente material, se lo
presente al director de la Galería Carlos Olachea, al quien le gusto el trabajo
y sobre todo que era una técnica que en La Paz no se conocía y me dio fecha,
fue durante el proceso de selección de obra que me vino el nombre de la
exposición, se titulaba “Descarte”, que es el nombre que se le da al producto
no comercial y que es devuelto al mar. Presente el título de exposición y por
razones no políticamente correctas le cambiamos el nombre. Sí, me entristeció el cambio, y como era la primera,
lo acepte, pero durante la inauguración pude hablar sobre el origen, y los
presentes lo sintieron, entendieron la obra, pude transmitir el mensaje, el
daño que estábamos haciendo, lo que fue muy gratificante. El segundo que ha
dejado huella, fue cuando expuse en la Ciudad de México, con Ictio Sudarium, la
cual desde el nombre ya implica la muerte y la resurrección y como se plasma en
un manto, de ahí Sudarium=Sudario, que sí, fue inspirado en el Sudario de
Turín. Se realizó en el Instituto de
Biología de la UNAM, que no es cualquier casa, y no lo digo en forma
despectiva, sino como biólogo ES LA CASA!, llena de biólogos, y cabe denotar
que resguarda una de las mayores colecciones de peces en el país, lo cual
representaba un reto, podrán los biólogos cuenta escamas identificar el pez?,
podrán verlo más allá del pez?, debo decir que si estaba muy pero muy nervioso,
estaba fuera de mi zona, nadie me conocía, era ajeno a su mundo. Y si, lo
logre, pude mostrarles la belleza que hay después de la muerte, fue inesperada
su acogida, estaban sorprendidos del trabajo y como este cumplía dos funciones,
la artística y a su vez la científica, si pudieron contarle las escama,
espinas, nombrar el pez.
Entonces, el
Gyotaku me permite en cada impresión, contar una historia, dar un homenaje,
dignificar al pez, ser humilde al trabajarlo y sobretodo ser agradecido con él.
La tercera
en recuerdo y de emotividad, que no tiene nada que ver con el Gyotaku, pero si
fue y es muy emotivo para mí, es BallenoMorfas, que mencione anteriormente, lo
vuelvo a retomar, ya que fue un proyecto, que de entrada implico trabajar una
técnica nueva (cartonerìa), trabajar con otros dos artistas (Arturo Caballero y
Paco Caamaño), ya que solo había trabajado en lo individual. Este proyecto se
inició con la búsqueda de un icono que identificara a la Baja California Sur, cual era lo que la
identificaba en todo el mundo?, y que a su vez pudiera ser intervenido, y poder
crear un proceso de identidad, contar una historia, una historia
sudcaliforniana y encontramos a la ballena Gris. Pero también nos interesaba
inmiscuir a la sociedad, hacerlos parte del proyecto, no solo al final sino desde
su inició, y lo logramos realizando una recaudación de fondos, donde invitamos
a todos los que se nos cruzaron en el camino, hicimos rifas, funciones de cine,
presentaciones, y ahí aprendí muchas cosas, trabajo en equipo, organización de
eventos , manejo de redes sociales, relaciones públicas, presentaciones en
radio, notas periodísticas, etc., fue
muy extenuante, y muy gratificante, muchos amigos participaron, donando su
tiempo. Cuando fue el día de la inauguración fue increíble la cantidad de
personas que había. Retomando la
pregunta anterior, la cartonería, como herramienta, me facilito lograr esa
fusión de identidad entre un icono y una historia sudcaliforniana, La Ballena
Choyera, fusión entre el mar y el desierto, La Ballena Perlera, un reconocimiento
a la historia de la perla en sudcalifornia y un homenaje a los viejos buzos y
La Reina Calafia, donde se unen todas las culturas que han dado forma a la
actual sociedad y como olvidar a la escultura Ballenon con su Ballenita, que
más contemporáneo sudcaliforniano no pude haber hecho. Este trabajo ha sido con
el que más he podido conectarme con el público y transmitirles algo, que?,
todavía no lo sé, pero sé que lo logre.
Cada
exposición o trabajo es diferente, pero lo que todos me han enseñado es esperar
lo inesperado, se escuchara trillado, pero es la verdad!, nunca se cómo va a
reaccionar el espectador. Me ha enseñado a respetar mi trabajo y el de los
demás, me ha dejado muy buenos recuerdos y ¿que ha plasmado en mi camino?,
pues, seguir aprendiendo, seguir creando,
no perder el piso, y que no todo se puede hacer solo, que mi familia,
mis amigos son parte de este viaje y sin ellos no sé si estaría donde estoy
hoy.
RCA- Tu participación en exposiciones en diversos
recintos te ha permitido convivir con la escena plástica de la entidad ¿Cuál es
tu opinión del estado actual de las artes visuales en B.C.S.?
OA- Es un crisol cultural, en el estado hay una gran
variedad de artistas con diferentes técnicas y puntos de vista, que
considerando que solo existe una institución que imparte la carrera de arte, es
muy impresionante, pero, siempre hay un pero, el interés por el público es
mínimo, solo una muy pequeña fracción se interesa por la escena cultural y que
siempre son los mismos que asisten a todas las presentaciones, y eso en cierta
forma creo que es muy triste, y aunado a que existen pocos espacios, el casi
nulo apoyo del gobierno a impulsar las artes, lo hace que sea un continuo
esfuerzo, si ya de por si desde la conceptualización un tema, desarrollarlo, conseguir
los insumos (deja el dinero), que por lo general se piden al interior o
aprovechas el raite de un amigo para que te traiga material, hasta conseguir el
espacio y hacer toda la difusión, lo cual hace que el trabajo del artista se
multiplique, uno tiene que ser multifuncional, es decir, artista, gestor,
relaciones públicas, organizador de eventos,
diseñador gráfico (cartel, invitación),
y gestor de redes sociales, entonces cuando uno ya retira el evento (ya
sea exposición u obra de teatro), es cuando más o menos “ descansa”, y eso lo
digo entre comillas, ya que uno tiene que empezar a pensar en la próxima que va
a ser en un año, por qué?, por que como son pocos los lugares, hay que ir apartándolo. Pero afortunadamente,
aun a pesar de eso, existen varias iniciativas que están picando piedra,
tanto individuales como en lo colectivo
que están realizando cosas interesantes e innovadoras y que aun a pesar de lo
anterior, salen, exponen sus propuestas y y llegan a cruzar fronteras.
Yo creo que ya no es válido decir, que Baja
California Sur es un estado joven, que esta atrasado con el resto del país, ya
no, yo creo que así como el gobierno incentiva el turismo natural a la vez
debería incentivar el turismo cultural.
También creo, que una de las ventajas que tiene el
estado es que somos relativamente pocos y eso facilita el intercambio de ideas
y a su vez la ayuda entre nosotros, es decir, en forma de hacer colaboraciones,
organizar algún evento en favor de algo, o sencillamente la ayuda en poder usar
recursos que algunos tienen, como por ejemplo, tórculos, talleres. Creo que la
gran mayoría siempre está dispuesta a echar una mano, lo cual es una ventaja
con respecto a otros lugares. Tiene un gran potencial, pero como todo hay que
trabajar para llegar a él, y solo si todos trabajamos, solo así llegaremos. Es
como la reciente formación del Consejo de Artistas Sudcalifornianos (CAS),
donde lo conformamos 293 artistas, ese es un gran paso, ya habla de una
organización, un interés común, ya hay presencia!.
RCA- Hay un repunte en la actividad mural en vía
pública y al interior de instituciones ¿Cuál es tu opinión de este arte público
con respecto a las piezas de galería?
OA- Yo en lo personal los considero dos ámbitos
independientes, con objetivos y fines completamente diferentes, el muralismo por sí mismo es una rama propia
en las artes. Dicho esto, me gusta, he incluso incursionado en este campo, he
realizado junto con Morfos, 5 murales uno de ellos está dentro en el
CRIP-INAPESCA, al final de malecón frente al supuesto y abandonado mercado de
pescadores y otros 5 (en metal) junto con el Maestro Aníbal Angulo, que están
en la UABCS, pero a diferencia de los anteriores (con Morfos), estos mi participación fue llevar desde la
conceptualización del artista a la fabricación y montaje del mismo, esos fueron
muy gratificantes, porque implico
utilizar otro tipo de herramientas o técnicas (herrería). Los murales, a
diferencia de las exposiciones, estos se convierten en parte de la vida diaria,
en un punto de referencia dentro de la ciudad y siempre van a estar a la vista,
no requieren horario, no cierran el fin de semana, siempre están ahí. En mi
caso, yo no he vuelto a ver los que realice con Morfos, ya que son privados,
pero los que veo de amigos, me gusta porque reconozco su trabajo, se cuándo lo
hizo y cuando preguntan de quién es, puedo decir...”¡A! es de un amigo, yo lo
conozco...”, me da mucha satisfacción, y también en cierta forma los de la
UABCS, aunque no son de mi autoría si son de mi manufactura.
RCA- ¿En qué proyecto trabajas actualmente?
OA- Bueno, siempre procuro trabajar el
gyotaku, como mencione antes, nunca se cuándo va a llegar un pez y tengo piezas
que llevan un año o más esperando a ser terminadas, entonces es un proyecto sin
fin, siempre lo tengo presente.
Aparte de eso, actualmente estoy
colaborando con Karla Antuna, para realizar una exposición virtual, debido a la
presente situación social, es decir, el COVID, que la presentaremos a final de
mes, y otro proyecto para una bienal a final de agosto, y bueno quien sabe que otra oportunidad o
momento lleve a inspirar algo más.
GALERÍA
