COLOR MELANCOLÍA, Poemario de Salim Lara

 

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EVOLUCIÓN DE LA TRADICIÓN EN LA OBRA DE ORSO ANGULO

SEMBLANZA

ORSO ANGULO CAMPILLO

Ciudad de México 1973

En 1992 inicia sus estudios en la Universidad Autónoma de Baja California Sur, donde obtiene la licenciatura en Biología Marina,  posteriormente el  grado en Maestro en Ciencias  (2003), y  Doctor en Ciencias  (2009) en el IPN-CICIMAR. Del 2013 al 2016 realizó  estudios posdoctorales en el Centro de Investigaciones Biológicas del Noroeste (CIBNOR) campus  Baja California Sur.

            Su interés científico lo llevo a escribir doce publicaciones en revistas nacionales e internacionales y la descripción de  cuatro especies nuevas de moluscos marinos endémicos de México.

            Sus actividades académicas lo llevaron a realizar colaboraciones con diferentes instituciones como la UNAM, INAPESCA, Secretaría de Marina, SCRIPPS, UC MERCED,  (por mencionar algunas), ha recorrido ambos litorales de la Península de Baja California, ya sea buceando, visitando campos pesqueros, transitando en lanchas, o en cruceros oceanográficos a lo  largo y ancho del Golfo de  California y la costa del  Pacífico.

            Debido a su constante inquietud, ha incursionado en diferentes oficios  (herrería) y otras técnicas, como fotograbado, grabado japonés, mozaiqueria, muralismo  y cartonería.

            En 2014, 2015, 2017, 2018 y 2019 participó como responsable de corte e instalación de los murales escultóricos en metal  “Testamento del Sol”, “El Ingenioso Hidalgo y su fiel Rocinante”, “Cortéz Ballenero”, “La Lámpara de la Sabiduría” y “Cactáceas” de la autoría de Aníbal Angulo, los cuales se encuentran en la Universidad Autónoma de Baja California Sur. En 2018, junto con Arturo Caballero y Paco Caamaño conforman el colectivo Morfos y realizan diferentes murales del índole particular, como él mural conmemorativo a  los 55 años  del INAPESCA,  en el Centro Regional de  Investigaciones  Pesqueras y Acuacultura en La Paz, B.C.S.

Cabe mencionar que no fue hasta 2017 donde se retira del mundo académico y decide dedicarse tiempo completo al arte.

            El permanente contacto con las especies marinas y su inquietud por el arte lo motivo a investigar la técnica del arte japonés  GYOTAKU, que le permitió realizar su primera exposición en 2016 titulada “El Alma de los Peces”, en la Galería del estado Carlos Olachea.  Posteriormente presentó “Estampas en el Tiempo”, en el NIM, donde mostró  un aspecto más  refinado.  En 2017 develó  “Confalones” en  el Centro Cultural el Huevo,  mostrando un  enfoque más contemporáneo al  antiguo  arte  del gyotaku,  2018 realizo su primera exposición en la Ciudad de México, “IctioSudarium” en el Instituto de Biología en la UNAM, y 2019 develó “Ictio-Grafias”, durante el mismo año fue su primer acercamiento a la fotografía, en “Alquimia”.

 En lo colectivo ha participado en seis exposiciones, donde cabe destacar “Octava Bienal Sudcaliforniana de Artes Visuales”,  “C o l l e c  t i v e “ y  en la Ciudad de México, “Arte de Punta a Punta” y junto con Morfos, presentó  “BallenoMorfas” en el Centro Cultural La Paz.

ENTREVISTA

Raúl Cota Álvarez- ¿Cuál fue tu primer acercamiento a las artes visuales?

Orso Angulo- El primero...mmmm… fue en el estudio fotográfico de mi papa, (finales de los 70`s). Ahí realizaba sus fotos, ya fueran para de la revista donde trabajaban (revista Claudia) o su trabajo de fotografía artística. Recuerdo que en esa época, entraban y salían amigos de mis papas, que lo que tenían todos en común, era que estaban relacionados con el arte, ya fueran fotógrafos, escritores, escultores, grabadores, coreógrafos, maquillistas, modelos, de todo un poco, una fauna muy particular. También recuerdo que en varias ocasiones, que los lunes a la entrada (la primaria), mis amigos comentaban su fin de semana y  cuando me preguntaban ..”que hiciste el fin de semana..”, les contestaba que había ido al museo con mi papa, a lo cual todos ponían una cara de asombro y de “asco” (jajajaja), y si, ¡era cierto!, muchos pero muchos fines de semana eran  como los llamo ahora, fines de semana contemplativos, es decir, por lo menos una vez al mes era de museo en museo, principalmente de arte,  “Xs” galerías; o ir a los viveros de Xochimilco incluso a “picnics” a la carretera vieja a Cuernavaca, que en realidad era ver como papa hacia bocetos o tomaba fotos para alguna nueva idea, exposición o simplemente inspiración para él. Entonces podemos decir que desde muy temprana edad y que fue parte de mi crianza.

Otro recuerdo que tengo, fue cuando mi tío, (en Taxco, si no mal recuerdo), me enseño un libro, el cual tenía unos dibujos maravillosos de seres raros, como paraguas,  peces y unas figuras que nunca había visto!, me hipnotizaron, las formas, pero sobre todo los colores y la capacidad de poder dibujar, tiempo después supe que fue una edición especial de la revista de National Geographic donde hacían un “reconocimiento” a las obras de Haeckel, que es considerado uno de los primeros ilustradores científicos. Y creo que ahí o la combinación de ambos, mi fascinación por el arte y la ciencia, cabe recordar que soy Biólogo Marino de formación.

RCA- En tu trayectoria destaca el manejo con maestría de distintas técnicas ¿Cómo ha sido tu experiencia al elegir con cuál desarrollar cada obra?

OA- Muchas gracias, por lo de maestría, sigo aprendiendo, y nunca lo voy a dejar de hacer. Yo creo que tiene que ver con mi formación científica, la cual, me enseño que para hacer algo, primero tenía que prepararme, ser capaz de analizarlo y al final llevarlo a fin. En ese sentido, cada una de las técnicas son herramientas que se complementan entre sí, las cuales enriquecen mi desarrollo como artista. Pero, volviendo a tu pregunta,… mmmmm… me ha permitido incursionar en varios formatos, estampa, fotografía, escultura, mixtas, cartonería, a perdón, ¿cómo elegir o con cual desarrollar..?, ¿entre el tema y el momento?, me inclino más al momento, ya que el tema puede estar pensado, pero el momento es el que indica cómo desarrollarlo. Por ejemplo, el caso de BallenoMorfas, yo desde que vi las intervenciones que hacían en la década de los 80´s y 90´s de objetos cotidianos (arte pop), siempre quise hacer algo así, posteriormente el famoso “Cow parade” en la Ciudad de México, me dio la pauta y los mares de Baja California Sur, el objeto, la Ballena Gris, pero me faltaba el ¿Cómo?, este llego cuando conocí a Arturo Caballero, (Maestro Cartonero), que acaba de llegar a la Paz (por alguna obscura razón), y fue cuando me dije, él es el ¡Cómo! , platicamos, nos hicimos amigos, me dio un curso de cartonería, invitamos a otro amigo, formamos el Grupo Morfos y tres años después presentamos BallenoMorfas. Otro ejemplo es “Alquimia”, por obvias razones siempre me ha gustado la fotografía, pero lo que la gente no sabe es que odio cargar cámaras al igual que odio cargar con una computadora personal, eso de desvivirte por cuidarla, cargarla, que no entre arena, que no se caliente, que no se ralle, etc, etc., no puedo.,  bueno en fin, entonces, cuando parecen los celulares con cámaras decentes, fue que dije esto es lo mío, pero aun así no lograba la nitidez o el enfoque que yo deseaba, pero seguía teniendo esa inquietud de hacer algo, fue en un viaje a la Ciudad de México visitando a mi hermana (que curiosamente es diseñadora gráfica, otro acercamiento a las artes visuales), me regalaron unos lentes para celular, de esos chinos, pero decentes, y claro andaba con juguete nuevo probando los lentes, sin grandes expectativas y de repente cayo una granizada!; De esas que se cae el cielo y cubren de blanco la ciudad. Paso la tromba, y al salir a ver el granizo, me encontré que los cactus de mi hermana tenían hielo (granizos), y empecé a tomar foto con el lentecito macro a la contraposición (creo que así se dice o si es incluso una palabra), del hielo con una planta desértica (si claro!,  en la ciudad de México), bueno una cactácea o suculenta, y en ese momento surgió la idea de Alquimia y se empezó a fraguar hacer la exposición, y gracias al buen ojo de Alejandro Rivas (más conocido como El Kato), que le gustó el proyecto, que fue presentado en el Faro. Entonces puedo decir que es una combinación de tener los elementos (conocimiento), pero inclino más por el momento, el que te dicta cual es cual y como se va a desarrollar.

RCA- Cuéntanos acerca del Gyotaku, ¿Qué aprendizaje deja la técnica y el proceso de plasmado en tu camino?

OA- Gracias al Gyotaku, es como me inicié en este camino del arte (formalmente), creo que fue y es mi fusión perfecta, ya que combina mis dos pasiones, la vida marina y obvio, el arte. Me ha dejado muchas emociones, pero es un continuo proceso de aprendizaje, ya que primero, nunca sé que pescado, me voy a encontrar o me harán llegar, y dos ninguna impresión es igual a la otra (aunque sea del mismo pez), ya que tiene que ver, que tan fresco esta, cuanto mucus y/o baba secreta, el tamaño, el tipo de escama, cuanto tiempo estuvo congelado, el tipo de tela que se usa, el entramado, la composición, el temperatura ambiente, son muchas cosas, que hacen que cada impresión o estampa sea un reto, lo que implica que cada vez que hago una sigo aprendiendo. Te voy a contar sobre tres exposiciones que me han dejado huella, la primera “El Alma de los Peces”, e independiente de que nadie olvida su primera exposición, fue muy emotiva, ya que surgió a partir de unos estudios pesqueros que estábamos realizando frente a Bahía Madgalena, y de estos siempre había mucho desecho, era triste ver todo lo que regresábamos al mar. Entonces me surgió la inquietud de cómo mostrar esa tristeza, esa impotencia sobre el daño que estábamos haciendo. Estando en el barco me dedique a empezar a plasmar la captura, que es lo que sacábamos y en algunos casos que era lo que desechábamos, fue muy emotivo el proceso ya que estaba empezando a explorar la técnica y además la realizaba en un pequeño “cuarto”, de 2x2, entre cajas, muestras biológicas, equipo de navegación y claro el movimiento del barco. Incluso hubo ocasiones que cuando estábamos en el muelle, veía a los barcos sardineros descargar, me ponía platicar con el encargado de la descarga y cada vez que salía un animal (no sardina), se lo pedía, y él me miraba con cara de ...”para que lo quiere?, bueno biólogo al final de cuenta..” y me lo entregaba (tiburoncitos, pequeñas rayas, calamares..), y a veces ellos mismos lo tiraban al muelle para los pelicanos o gaviotas que andaban pululando, pues ahí me veían tratando de ganarles, jajajaja, pocas veces lo  logre. El punto es que era una gran tristeza, lo que se tira. Ya una vez que considere que tenía suficiente material, se lo presente al director de la Galería Carlos Olachea, al quien le gusto el trabajo y sobre todo que era una técnica que en La Paz no se conocía y me dio fecha, fue durante el proceso de selección de obra que me vino el nombre de la exposición, se titulaba “Descarte”, que es el nombre que se le da al producto no comercial y que es devuelto al mar. Presente el título de exposición y por razones no políticamente correctas le cambiamos el nombre. Sí, me  entristeció el cambio, y como era la primera, lo acepte, pero durante la inauguración pude hablar sobre el origen, y los presentes lo sintieron, entendieron la obra, pude transmitir el mensaje, el daño que estábamos haciendo, lo que fue muy gratificante. El segundo que ha dejado huella, fue cuando expuse en la Ciudad de México, con Ictio Sudarium, la cual desde el nombre ya implica la muerte y la resurrección y como se plasma en un manto, de ahí Sudarium=Sudario, que sí, fue inspirado en el Sudario de Turín.  Se realizó en el Instituto de Biología de la UNAM, que no es cualquier casa, y no lo digo en forma despectiva, sino como biólogo ES LA CASA!, llena de biólogos, y cabe denotar que resguarda una de las mayores colecciones de peces en el país, lo cual representaba un reto, podrán los biólogos cuenta escamas identificar el pez?, podrán verlo más allá del pez?, debo decir que si estaba muy pero muy nervioso, estaba fuera de mi zona, nadie me conocía, era ajeno a su mundo. Y si, lo logre, pude mostrarles la belleza que hay después de la muerte, fue inesperada su acogida, estaban sorprendidos del trabajo y como este cumplía dos funciones, la artística y a su vez la científica, si pudieron contarle las escama, espinas, nombrar el pez.

Entonces, el Gyotaku me permite en cada impresión, contar una historia, dar un homenaje, dignificar al pez, ser humilde al trabajarlo y sobretodo ser agradecido con él.

La tercera en recuerdo y de emotividad, que no tiene nada que ver con el Gyotaku, pero si fue y es muy emotivo para mí, es BallenoMorfas, que mencione anteriormente, lo vuelvo a retomar, ya que fue un proyecto, que de entrada implico trabajar una técnica nueva (cartonerìa), trabajar con otros dos artistas (Arturo Caballero y Paco Caamaño), ya que solo había trabajado en lo individual. Este proyecto se inició con la búsqueda de un icono que identificara  a la Baja California Sur, cual era lo que la identificaba en todo el mundo?, y que a su vez pudiera ser intervenido, y poder crear un proceso de identidad, contar una historia, una historia sudcaliforniana y encontramos a la ballena Gris. Pero también nos interesaba inmiscuir a la sociedad, hacerlos parte del proyecto, no solo al final sino desde su inició, y lo logramos realizando una recaudación de fondos, donde invitamos a todos los que se nos cruzaron en el camino, hicimos rifas, funciones de cine, presentaciones, y ahí aprendí muchas cosas, trabajo en equipo, organización de eventos , manejo de redes sociales, relaciones públicas, presentaciones en radio, notas periodísticas, etc.,  fue muy extenuante, y muy gratificante, muchos amigos participaron, donando su tiempo. Cuando fue el día de la inauguración fue increíble la cantidad de personas que había.   Retomando la pregunta anterior, la cartonería, como herramienta, me facilito lograr esa fusión de identidad entre un icono y una historia sudcaliforniana, La Ballena Choyera, fusión entre el mar y el desierto, La Ballena Perlera, un reconocimiento a la historia de la perla en sudcalifornia y un homenaje a los viejos buzos y La Reina Calafia, donde se unen todas las culturas que han dado forma a la actual sociedad y como olvidar a la escultura Ballenon con su Ballenita, que más contemporáneo sudcaliforniano no pude haber hecho. Este trabajo ha sido con el que más he podido conectarme con el público y transmitirles algo, que?, todavía no lo sé, pero sé que lo logre.

Cada exposición o trabajo es diferente, pero lo que todos me han enseñado es esperar lo inesperado, se escuchara trillado, pero es la verdad!, nunca se cómo va a reaccionar el espectador. Me ha enseñado a respetar mi trabajo y el de los demás, me ha dejado muy buenos recuerdos y ¿que ha plasmado en mi camino?, pues, seguir aprendiendo, seguir creando,  no perder el piso, y que no todo se puede hacer solo, que mi familia, mis amigos son parte de este viaje y sin ellos no sé si estaría donde estoy hoy.

RCA- Tu participación en exposiciones en diversos recintos te ha permitido convivir con la escena plástica de la entidad ¿Cuál es tu opinión del estado actual de las artes visuales en B.C.S.?

OA- Es un crisol cultural, en el estado hay una gran variedad de artistas con diferentes técnicas y puntos de vista, que considerando que solo existe una institución que imparte la carrera de arte, es muy impresionante, pero, siempre hay un pero, el interés por el público es mínimo, solo una muy pequeña fracción se interesa por la escena cultural y que siempre son los mismos que asisten a todas las presentaciones, y eso en cierta forma creo que es muy triste, y aunado a que existen pocos espacios, el casi nulo apoyo del gobierno a impulsar las artes, lo hace que sea un continuo esfuerzo, si ya de por si desde la conceptualización un tema, desarrollarlo, conseguir los insumos (deja el dinero), que por lo general se piden al interior o aprovechas el raite de un amigo para que te traiga material, hasta conseguir el espacio y hacer toda la difusión, lo cual hace que el trabajo del artista se multiplique, uno tiene que ser multifuncional, es decir, artista, gestor, relaciones públicas, organizador de eventos,  diseñador gráfico (cartel, invitación),  y gestor de redes sociales, entonces cuando uno ya retira el evento (ya sea exposición u obra de teatro), es cuando más o menos “ descansa”, y eso lo digo entre comillas, ya que uno tiene que empezar a pensar en la próxima que va a ser en un año, por qué?, por que como son pocos los lugares,  hay que ir apartándolo. Pero afortunadamente, aun a pesar de eso, existen varias iniciativas que están picando piedra, tanto  individuales como en lo colectivo que están realizando cosas interesantes e innovadoras y que aun a pesar de lo anterior, salen, exponen sus propuestas y y llegan a cruzar fronteras.

Yo creo que ya no es válido decir, que Baja California Sur es un estado joven, que esta atrasado con el resto del país, ya no, yo creo que así como el gobierno incentiva el turismo natural a la vez debería incentivar el turismo cultural.

También creo, que una de las ventajas que tiene el estado es que somos relativamente pocos y eso facilita el intercambio de ideas y a su vez la ayuda entre nosotros, es decir, en forma de hacer colaboraciones, organizar algún evento en favor de algo, o sencillamente la ayuda en poder usar recursos que algunos tienen, como por ejemplo, tórculos, talleres. Creo que la gran mayoría siempre está dispuesta a echar una mano, lo cual es una ventaja con respecto a otros lugares. Tiene un gran potencial, pero como todo hay que trabajar para llegar a él, y solo si todos trabajamos, solo así llegaremos. Es como la reciente formación del Consejo de Artistas Sudcalifornianos (CAS), donde lo conformamos 293 artistas, ese es un gran paso, ya habla de una organización, un interés común, ya hay presencia!.

RCA- Hay un repunte en la actividad mural en vía pública y al interior de instituciones ¿Cuál es tu opinión de este arte público con respecto a las piezas de galería?

OA- Yo en lo personal los considero dos ámbitos independientes, con objetivos y fines completamente diferentes,  el muralismo por sí mismo es una rama propia en las artes. Dicho esto, me gusta, he incluso incursionado en este campo, he realizado junto con Morfos, 5 murales uno de ellos está dentro en el CRIP-INAPESCA, al final de malecón frente al supuesto y abandonado mercado de pescadores y otros 5 (en metal) junto con el Maestro Aníbal Angulo, que están en la UABCS, pero a diferencia de los anteriores (con Morfos),  estos mi participación fue llevar desde la conceptualización del artista a la fabricación y montaje del mismo, esos fueron muy gratificantes,  porque implico utilizar otro tipo de herramientas o técnicas (herrería). Los murales, a diferencia de las exposiciones, estos se convierten en parte de la vida diaria, en un punto de referencia dentro de la ciudad y siempre van a estar a la vista, no requieren horario, no cierran el fin de semana, siempre están ahí. En mi caso, yo no he vuelto a ver los que realice con Morfos, ya que son privados, pero los que veo de amigos, me gusta porque reconozco su trabajo, se cuándo lo hizo y cuando preguntan de quién es, puedo decir...”¡A! es de un amigo, yo lo conozco...”, me da mucha satisfacción, y también en cierta forma los de la UABCS, aunque no son de mi autoría si son de mi manufactura.

RCA- ¿En qué proyecto trabajas actualmente?

OA- Bueno, siempre procuro trabajar el gyotaku, como mencione antes, nunca se cuándo va a llegar un pez y tengo piezas que llevan un año o más esperando a ser terminadas, entonces es un proyecto sin fin, siempre lo tengo presente.

Aparte de eso, actualmente estoy colaborando con Karla Antuna, para realizar una exposición virtual, debido a la presente situación social, es decir, el COVID, que la presentaremos a final de mes, y otro proyecto para una bienal a final de agosto,  y bueno quien sabe que otra oportunidad o momento lleve a inspirar algo más.

GALERÍA

GAMAS DE UN PAISAJE INTERIOR EN LA OBRA DE ANAHÍ GALINDO

SEMBLANZA

Anahí Galindo (Mazatlán, Sinaloa 1987) cursó la carrera de Diseño de Interiores y Paisajismo en la Universidad Autónoma de Guadalajara (2005-09). Posteriormente realizó una especialidad en Escaparatismo y Visual Merchandising en el IED ( Istituto Europeo di Design) en la ciudad de Madrid, España, fue entonces donde comenzó su inquietud por la pintura, aunque desde pequeña estuvo interesada por el dibujo en diferentes técnicas como lápiz, carbón, pastel y acrílico, siendo autodidacta.

Al regresar de nuevo a vivir a la ciudad de Guadalajara, después de unos cuantos inspiradores viajes, se le presentó la oportunidad para realizar una obra de gran formato como encargo y encantó al cliente. A partir de ahí, Anahí descubrió que le apasionaba crear, el inventarse ella misma cada vez que tenía un lienzo de frente.

Posteriormente, decidió volver a Europa, donde comenzó a estudiar Pintura en la Academia de Taller del Prado en Madrid y un par de meses después se trasladó a Barcelona a continuar con sus cursos en Pintura en TRAÇ Centre d’Expressió Plàstica, allí surgieron algunas oportunidades de presentar sus obras en exposiciones en  Barcelona y pueblos aledaños.

Después de un tiempo, volvió a la tierra sudcaliforniana que la vio crecer para continuar creando y donde ha presentado recientes exposiciones individuales y colectivas, en la Casa de Cultura, en el Centro Cultural del Estado, Alianza francesa, Restaurantes, Galería de Arte Carlos Olachea, entre otras.

En su obra encontrarás paisajes sugerentes de sueños, en una realidad paralela. Viajes a rincones maravillosos del mundo, en representación de su técnica única donde combina un impresionismo moderno y una perfecta abstracción de emociones.

ENTREVISTA

Raúl Cota Álvarez- ¿Cuál fue tu primer acercamiento a las artes visuales?

Anahí Galindo- Creo que siempre tuve acercamiento desde niña, porque dibujaba sin parar y en clase siempre la de Artes era mi favorita.

Pero algo más formal, podríamos decir que cuando fue mi primer encargo de gran formato, que descubrí que eso quería hacer toda mi vida y que si no lo hacía viviría sin una parte esencial, que es pintar.

RCA- Por medio del impresionismo, el paisaje y la flora habitan tu obra ¿Cómo ha sido tu experiencia ante el espectador de tu trabajo?

AG- Bastante buena, me siento  satisfecha de que la gente acepte y quiera tanto mi trabajo, que se hallan transportado a ciertos lugares del mundo o de sus mismos sueños.

RCA- Tu participación en exposiciones en diversos recintos te ha permitido convivir con la escena plástica de la entidad ¿Cuál es tu opinión del estado actual de las artes visuales  en B.C.S.?

AG- Sinceramente aún nos queda un largo camino por recorrer, por empaparnos de este mundo y dejarnos llevar.

Sería  importante que se llevaran a cabo más eventos multidisciplinarios, colectivos; donde todas las Bellas Artes pudiéramos trabajar juntos.

Y un punto muy esencial creo  es que desde las Escuela Básica se comenzará a fomentar mucho más el conocimiento y práctica  de las Artes y no solo de las visuales; talleres y eventos donde los niños pudieran desarrollar sus habilidades. 

RCA- ¿A qué artistas identificas como referentes o influencias en tu obra?

AG- Del pasado, por siempre Monet, sobre todo en su etapa de pintar Flores y estanques.

Y un artista de la actualidad que ha sido una inspiración para mí, no por su técnica, si no por trayectoria e idealización de la pintura, es Folé, artista plástico de Guadalajara, su humildad y a la vez su genialidad en la pintura es un gran referente para mí; desde mucho ante que yo pintara nada.

RCA- ¿En qué proyecto trabajas actualmente?

AG- Los proyectos los podemos dividir: a largo plazo abrir mi propio showroom Galería de Arte.

En corto plazo, tengo algunas ideas; y un proyecto hablado para una exposición colectiva para finales de año.

Obra expuesta en el Hotel Paradisus by Meliá en Los Cabos.

Y trabajando con Galería Sophart de Ciudad de México, sobre todo eso, trabajando, que mientras uno se mantenga creando, lo demás ya llegará.

GALERÍA

LA FLUIDEZ DE LA MADERA Y LA PIEDRA EN LA OBRA ESCULTÓRICA DE SALVADOR ROCHA

SEMBLANZA

Santa Rosalía, B.C.S., México (1957). Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre ellas en la galería “Carlos Chávez”, del Centro Cultural Universitario (1985 Primer Encuentro De Arte Universitario), el Encuentro De Artistas Plásticos De La Frontera Norte 1986, el Museo De Antropología De La Paz (1986), el 102 Aniversario De Fundación De Santa Rosalía (1997), el Encuentro Nacional De Arte Joven en Aguascalientes (1998), la galería Tuzzey, de Tucson, Arizona (1993), el 462 Aniversario De La Fundación De La Paz (1998) entre otras. Obra suya se encuentra en el Instituto Tecnológico De La Paz, La Casa De La Cultura De Todos Santos, La Casa Del Estudiante En La Paz. Ha sido premiado en el Segundo Salón De La Plástica Del Noroeste, recibió en 1995 y 1999 una beca como creador artístico y en 1997 como instructor de escultura en alabastro. Coordinó el primer taller en madera para niños en La Paz y otras comunidades de Baja California Sur.

ENTREVISTA

Raúl Cota Álvarez- ¿Cuál fue tu primer acercamiento a las artes visuales?

Salvador Rocha- Cuando era niño, en la Ciudad de México, en el año 68, vivimos en la ladera de un cerro... ahí me encontré con el material que es el barro, al llover y jugar con este material, me di cuenta que era maleable y hacía figuritas. Posteriormente, ya en sexto año de primaria, vivíamos en el pueblo de Mulegé, BCS, ahí vivimos en una huerta, encontrándome una infinidad de materiales, como hojas de palmera de dátil, con estas hacía mis propios juguetes.

También, de la sierra me trajeron madera de colorín o chilicote, una madera que es muy blandita, también con ésta hacía figuritas.

Ya en secundaria, entré al taller de artesanías y ahí aprendí a trabajar la concha de abulón, hacer altos relieves con palillos, etc.

Ya de adulto joven, 21 años aproximadamente, entro a colaborar a Fonapaz, que actualmente es el Instituto de Cultura de BCS, por el año de 1981. Fonapaz tenía en esas épocas un convenio con SEP Cultura y en verano mandaban de los mejores maestros que tenía México, llámese pintores, músicos, bailarines, etc. Por ese tiempo vino a La Paz la maestra Dalia Monroy, una reconocida pintora de la Ciudad de México, en ese entonces el Distrito Federal, a impartir un curso de artes visuales, donde compartió diferentes técnicas como el manejo de la pintura acrílica, óleo, acuarela y vaciado en yeso.

Fue entonces que me di cuenta de la facilidad que tenía para trabajar lo tridimensional, a partir de ahí comencé a esculpir madera por mi cuenta, iniciando mis primeras obras...

RCA- Por medio del arte abstracto, la figura femenina habita parte importante de tu obra ¿Cómo ha sido la experiencia al plasmar este elemento estético?

SR- En mis primeras obras, es cierto que predominaba la figura femenina, esta ha ido evolucionando al paso de los años, ya que ha sido una gran inspiración para mi esencia en el arte.

Siempre he sentido gran admiración por la figura femenina, y esta se ha visto reflejada siempre en mi trabajo.

En mi niñez, en el puerto de ensenada, en donde me crié, al observar el mar y sus profundidades, me jalaban a adentrarme a él. Era como volver al vientre de mi madre, que en realidad es el océano en donde nos desarrollamos durante 9 meses los seres humanos.

Por eso, en Mulegé, cuando aprendí a bucear en sus mares y al observar los fondos marinos, esas formas, sombras, líneas, que observé, yo creo que es lo que se refleja actualmente en mi obra.

RCA- La escultura tiene una potencia distinta a la pintura por su naturaleza tridimensional y el tratamiento directo sobre el material, ¿Cómo eliges el objeto a intervenir, como decides la figura a generar a partir de aquel?

SR- Muchas de las veces, mis propios amigos, suelen regalarme maderas y sobretodo, raíces de uña de gato y de mezquite. Y regularmente, cuando viajo a Santa Rosalia, procuro traer piedra de alabastro y roca de yeso. Pero cuando voy al sur del estado, en el pueblo minero de San Antonio podemos encontrar los árboles de Palo Chino, así como suelo encargar madera muerta.

Ya cuando tengo los materiales, por lo regular, suelo observarlos con detenimiento y el día menos esperado, como suele decirse “me llega la inspiración” y me imagino una escultura, y a partir de esa imagen en mi cabeza, comienzo a trabajar el material, aunque al paso de los días de trabajo, la idea original puede transformarse, y muchas veces, un accidente como que el material sufra una fractura, o ya sea que tenga partes débiles, la figura se enriquece... es como si existiera un diálogo entre el material y yo, pues el material muchas veces me guía que camino tomar.

RCA- Tu participación en exposiciones en diversos recintos te ha permitido convivir con la escena plástica de la entidad ¿Cuál es tu opinión del estado actual de las artes visuales. en B.C.S.?

SR- En estos momentos creo que las artes visuales, gozan de muy buena salud, ya que en mis inicios, como escultor, por el año de 1980, habían exposiciones ya sea 1 vez por año, o cada 6 meses. Y en La Paz, estarían trabajando a lo mucho 6 o 7 pintores.

En estos momentos podemos ver a jóvenes artistas con mucho talento, fruto de los talleres que en un momento impartieron: Armando Manríquez y Margarita Mendiola, así como la nueva carrera de Artes Visuales de la Universidad Mundial, en donde están impartiendo clases grandes maestros como: Aníbal Angulo, Peter Cole y Margarita Ruiz, entre otros grandes artistas que tiene Baja California Sur.

RCA-  Has sido tallerista y transmitido tu experiencia en el tallado de madera y roca a diversos entusiastas de la escultura ¿Qué opinas de las nuevas generaciones de escultores en el estado?

SR- Creo que actualmente el auge en artes visuales en el estado es la pintura, de caballete y mural, también en grabado.

En escultura no está muy visible el trabajo por los nuevos escultores, es decir, que no hay mucha exposición. Ricardo Fierro era uno de los artistas con mayor producción en escultura, lamentablemente tuvo que salir del estado para radicar en otro lugar.

Es importante, un reportaje que se dio a conocer recientemente por el periodista Evaristo Murillo, en el cual se dan a conocer una serie de figuras talladas en piedra, realizadas por nuestros antepasados en diferentes partes del estado. Esto nos da mas fuerza para promover los talleres de escultura, ya que ahora nos damos cuenta que nuestros antepasados fueron grandes escultores.

RCA- ¿En qué proyecto trabajas actualmente?

SR- Ahora mismo, sigo trabajando la escultura en casa, reforzando figuras de mano y pies en madera de mezquite. También cuento con distintos materiales, esperando inspiración para plasmar nuevas imágenes y formas conforme pase el tiempo.

Espero próximamente realizar una escultura de 12 de metros de altura de una ballena gris en bronce, para un futuro proyecto que se realizará en el municipio de La Paz.

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