LA ALQUIMIA VISUAL EN LA OBRA DE MIKEL ARCHILA

SEMBLANZA

Nacido en Marzo de 1988 en La Paz BCS. México.

Mikel Archila demuestra temprano interés por la creación y las artes, en un descubrimiento de disciplinas y métodos encuentra su cohesión en un punto: el amor a la vida y con especial empatía a la vida marina.

Inicia sus estudios en Artes Visuales, con énfasis en los métodos y técnicas experimentales, en la UDG Guadalajara, Jalisco.

Su cercanía con el mar en su natal La Paz, generó un profundo interés por la causa ecológica así como también por el misterio de la vida y sus conceptos, que influyen en los contenidos de su obra de muchas maneras, volviéndose parte central de su discurso.

Aunado a estos contenidos se encuentran sus soluciones técnicas, orientadas en la estética de lo sublime, altamente influenciado por la imagen de la moda, así como su paleta de colores que van desde los tonos aqua hasta los profundos marinos y acentos cálidos.

Haciendo uso de la fotografía, la pintura, la escultura e instalación, sus piezas son un relato de sus vivencias y las ideas en las que se centra su obra.

ENTREVISTA

Raúl Cota Álvarez- En parte de tu obra apreciamos la majestuosidad de la vida marina ¿Qué te despierta este universo a la hora del proceso creativo?

Mikel Archila- Creo que siempre he sido una persona bastante curiosa y desde la infancia he estado rodeado de ella. La fauna marina despierta muchísimas interrogantes en mí y creo que esto me fue empujando mucho más a ella; adentrarme a los misterios del abismo oceánico hasta llegar a las zonas costeras. He tenido algunos encuentros con la fauna marina bastantes simbólicos, tengo 3 muy bien identificados: el primero ocurrió cuando tenía 11 años y sucedió en San Juan de la Costa, un día de playa observamos una enorme ballena jorobada que había varado… creo que mi impacto me empujó correr a hacia ella y querer tocarla, era surreal poder estar tan cerca de un animal como ese. Después en Bahía de los sueños fui picado por una de las medusas más peligrosas: la medusa fragata o carabela portuguesa (uno de los dolores más horribles que he experimentado) la mitad de mi cuerpo se paralizo por completo. La tercera ocurrió en aquella marea roja del 2006, donde casi todas las playas se tapizaron de calamares, desde entonces me obsesioné con ellos, recuerdo que uno me lanzó tinta a la cara (risas) . Estas experiencias nunca se fueron de mi mente, mi imaginario las usa hasta la fecha como parte de mi proceso o conexiones con la vida marina. He tenido ¡bastantes encuentros con serpientes también!, digo, somos afortunados de pertenecer a esta bella región saturada de vida, hermosas postales a todas horas del día y la noche; ¿Cómo alguien no podría verse motivado o inspirado con un lugar así?

Aparte cuando me fui de La Paz para estudiar fuera, la nostalgia de estar lejos me hizo valorarla aún más y sobre todo “presumir” mi sitio de origen.

Sobre todo el valorar también está el cuidar y mi obra se centra meramente en ello, mostrar lo que amo y a su vez lo que deseo proteger de la irresponsabilidad humana. 

Añadiría algo en todo esto también, el mar definitivamente tiene propiedades curativas, el sólo hecho de estar cerca de él o escuchar el oleaje tiene efectos que benefician a nuestra salud…Esto entonces beneficia mi proceso.

RCA- Trasciendes el formato tradicional en parte importante de tu trabajo plástico, usando el mismo cuerpo como soporte del mensaje ¿Cómo elijes el lienzo para cada tema?

MA- Con el concepto imaginario viene el físico. Esta cuestión en particular definitivamente es algo que suelo procesar por tiempos muy prolongados, cuando una idea se aloja en mi cabeza no la suelto y puedo estarla masticando por muchos días, semanas o hasta meses. Visualizo todo en mi mente, construyo y comienzo a armar y si no me gusta desecho todo para regresar al plano físico para observar obras de creativos o artistas, inspirarme en cierta manera para poder aterrizarme en el plano físico. Pero, creo que esto también es muy orgánico y accidentado, no siempre tengo el plan maestro para ejecutar algo, puesto que suelo dejarme llevar por el instinto y la intuición. Cuando ya estoy cerca de llevarlo a un soporte físico me vuelvo obsesivamente perfeccionista y comienzo a compararle con lo que visualizaba en mi mente.

Escucho mucha música, confieso ser un melómano y esto me facilita en el momento de concretar ideas. Cuando llego a un soporte/ medio / lienzo automáticamente lo comparo con mi idea inicial y si reúne las características que buscaba puedo decir: “Así, así es cómo lo visualizaba”.

Soy un alquimista experimentando todos los días en modalidad ermitaña (hasta con las ciencias ocultas, por qué no) (risas).

RCA- Has plasmado tu trabajo en instalaciones hospitalarias, transformando el ambiente frio y gris en un entorno amigable y sereno ¿Qué experiencia te deja esta intervención de espacios poco convencionales?

MA- Esta pregunta me remite a mi madre, que suelo bromear con ella al decirle que parece que es mi representante (risas) pero, es verdad, tanto ella como mi padre han sido bases fundamentales en mi desarrollo como individuo. Mi padre era médico epidemiólogo y mi madre es enfermera especialista en pediatría …Obvio se me ha cuestionado que “¿por qué no ejerciste también la medicina?”, bueno, creo que lo hago desde mi propia perspectiva, puesto a que mi corriente es la arte-terapia o arterapia.

Mi intención no contrasta con la medicina, a fin de cuentas e inconscientemente mi obra es un fragmento de mi diario personal.

Entonces eso de escribir me sirve para hacer  auto-análisis  y sobre todo leo mucho de psicología. Se me ha acusado de leer a las personas pero, creo que esto viene de mi curiosidad antropológica y la conducta humana es muy compleja, tantos universos chocando todos los días necesitan un respiro del exceso de la realidad y el arte es ese medio para depurar. Se dice que al ver la obra del artista puedes conocerle mejor, ahí tenemos a Yayoi Kusama y su tendencia a las modulaciones obsesivas que le ayudan a distanciarse de sus pensamientos suicidas.

Louise Burgeoise es otro ejemplo de cómo plasmaba a su madre como una enorme araña avasallante y su discurso sexual tan claro.

Toda persona tiene sus “particulares problemas mentales” y algunas buscan la medicina o las respuestas en el arte. Vaya, yo lo sigo haciendo hasta la fecha (risas) lo siento.

Bueno, eso, esto me ha empujado a querer hacerle la vida más grata a las personas sobre todo, a las nuevas vidas que comienzan a integrarse a este caótico mundo. Pero, definitivamente el haber estado conviviendo con infantes del hospital despertó una sensibilidad muy emocional y me recordó que muchas personas olvidan lo bello que es la inocencia, cómo puede esto ayudarte a recibir mejor las bellezas de la vida y naturaleza; en ella está la medicina.

RCA- La generación de conciencia social está presente también en tu trabajo ¿Qué respuesta ha generado el público que se enfrenta a estas piezas?

MA- Una muy buena, aceptada, clara y entendible. Creo que es muy obvio y esto se notó aún más en mi exposición “Exposición Radioactiva (los niños de Chernobil)” 2014. La cual hablaba sobre la contaminación nuclear, los efectos negativos en la naturaleza y la humanidad. El arte es sin duda una plataforma para todo: como denuncia social, yo le llamo “una denuncia diplomática y sutil”.

Un sobrino me comentó que posterior a mi exposición les dejaron de tarea investigar sobre catástrofes nucleares y después fui invitado a dar una ponencia en el Tecnológico de La Paz en la semana de desarrollo sustentable (2014). Cuando a una persona le crea morbo o interés por desear saber más es ahí cuando me digo: “Creo que algo salió bien, ¿no?”

Esto me regresó a un proyecto que inicié en la universidad que se llamaba “dame tu basura y mira mi escultura”, que en realidad estaba dirigida más a los desechos plásticos. En 2019 comencé a fabricar máscaras armadas con estos desechos, mismos que comenzaron a saturar los océanos. Sé que a veces puedo sonar ingenuo con mis metas o ideales pero, por algo pequeño se inicia siempre: la semilla del gran árbol.

Todo es un balance y en el caos hay cosas bellas, ahí están y sólo mutan con ayuda del arte.

RCA- ¿Qué proyectos están en el tintero?

MA- Una pequeña que se arrastra y engorda con el pasar de los días, esta pandemia ¡vaya que le quedo perfecta para ganar más peso!

Es un proyecto que forma la trilogía de: “¡No me olvides, por favor!”- “Metamorpha”- “…”, tiene título, sí, pero soy muy supersticioso y la estoy cuidando de una forma muy egoísta, creo que es tanta mi emoción que por eso la mantengo con muchísimo cuidado.

Lo que sucede actualmente en el planeta lo veo como el llamado de atención más grande que hemos tenido y desde mi punto personal lo estoy procesando de forma positiva, es lamentable, sí pero, esto invitará a que seamos conscientes de nuestro paso temporal sobre este hermoso planeta.

Lo menciono porque mi proyecto actual habla un poco de esto y espero que la humildad y empatía se quede de forma  permanente como práctica diaria.

Todo se mueve, todo muta, todo se muere y renace. 

GALERÍA



MURAL "SUMERGIDOS", ISSSTE, 2016

MURAL EN CASA BICI, 2017

NATURALEZA FANTÁSTICA EN LA OBRA DE ANDREA GAUME

SEMBLANZA

Nacida en La Paz B.C.S..

Pinto y dibujo desde hace más de 20 años.

Mi formación académica es en Finanzas, tengo una Maestría en

Innovación y desarrollo y trabajo desde algunos años en el

área de educación y sociedad civil. Soy directora de Ecology

Project AC y Presidenta de FANLAP (Fundación ayuda a niños

la Paz) organización sin fines de lucro que provee becas y otros

apoyos a jóvenes en situación vulnerable.

Desde mi trabajo busco ser agente de cambio en la

comunidad, mejorar la educación y las

oportunidades para los jóvenes y ser participe de la

construcción de comunidades más sustentables y

en armonía con la naturaleza.

Mi formación técnica inició en 1994 en el

Taller de Pintura de la Universidad Autónoma

de BCS y continuó en el Taller de Pintura del

Instituto Tecnológico de la Paz bajo la

dirección de la maestra Margarita Mendiola,

participe en los talleres por espacio de 4 años.

He tomado cursos de acuarela y grabado con

maestros como Daniel Amora y Ezra Katz.

He participado principalmente en exposiciones

colectivas con el taller de la UABCS y el Instituto

tecnológico de la Paz, Teatro de la Ciudad, tuve

mi primera exposición individual en Marzo de

2019 "Reverdecer" .

GANADORA DEL CONCURSO DE LIBRO

ÁLBUM ILUSTRADO 2019 DEL ISC (NOV.2019).

IX BIENAL SUDCALIFORNIANA DE ARTES

VISUALES (DIC.2019), PREMIO DE

ADQUISICIÓN

ENTREVISTA

Raúl Cota Álvarez- Antes de iniciar formalmente tu preparación plástica en talleres, ¿Cuándo comienza tu acercamiento a las artes visuales?

Andrea Gaume- Recuerdo haber admirado los cuadros desde muy pequeña,  tengo memorizados los cuadros que había en mi casa y en casa de mis abuelos y otros familiares, observaba las texturas y los colores, había uno de una mujer con un traje de terciopelo verde, las variaciones en la paleta de colores de los paisajes de segadores,  los crisantemos peludos de la casa de mi abuela, un paisaje mediterráneo con tonos azules y un sol amarillo y rojo en casa de mi tía,  amates, bodegones, unas calabazas anaranjadas con semillas, aún puedo recorrerlos en mi memoria. Desde siempre fui espectadora y admiré la pintura y eso me hacía tener ganas de pintar yo también. Pocas cosas me causan tanto placer como dibujar y pintar.

RCA- Tu obra es habitada frecuentemente por gamas de un mismo color, lo que la viste de una fuerza particular, sin embargo, el alto contraste de tus grabados es algo que lograste dominar con acabados excelentes ¿qué técnica sientes más cercana a ti?

AG- Definitivamente la pintura es más cercana a mí, el color por sí solo expresa, me encantan los matices y sí tengo obsesión con ciertos colores, sin embargo experimentar el grabado ha sido una agradable sorpresa es un medio poderoso y muy plural, tienes la opción de reproducir la misma pieza varias veces, está en el punto medio entre arte y oficio, también es un medio muy honesto el error se queda ahí, exige mejorar  y es todo un reto mental resolver una imagen con líneas y blancos , los monotipos me encantaron porque te dan esta oportunidad de expresión muy personal  y espontánea, irrepetible como la pintura.

RCA- Has participado en exposiciones colectivas, en comunidad con otros creadores ¿Cuál es tu opinión del desarrollo de las artes visuales en el estado?

AG- Somos uno de los estados más jóvenes de la República Mexicana, obviamente si nos comparo con la escena nacional diría que hay muy poco desarrollo, inclusive si nos comparamos con otros estados de la región como Sonora, Baja California y Sinaloa, se siente como si no nos hubiéramos desarrollado del todo,  sin embargo  el boom de las artes plásticas en B.C.S. vino con Carlos Olachea alrededor de los 70´s entonces me gusta pensar que es una escena relativamente joven aún, con pocas generaciones y que localmente se ha forjado o de forma autodidacta o en los talleres locales, hasta hace apenas unos años se tuvo una Licenciatura en artes visuales por ejemplo.  Creo que venimos de una etapa de gente muy capaz y genial formada fuera del  Estado en otras universidades y que han alcanzado un nivel de maestría en su trabajo pero también mucho talento joven muy preparado que regresó y está forjando su carrera localmente más todos los que están o estamos aprendiendo localmente.

Un punto importante para mí es también formar en la población el gusto por las artes visuales, educar al espectador y si no tenemos los espacios para conectar al público con los artistas no se logra esto, el desarrollo de las artes visuales no es sólo un asunto de que haya artistas sino también de que haya espectadores y sobretodo consumidores,  en el comprador se cierra el ciclo y así es que alguien puede dedicarse de lleno a su arte. Desafortunadamente muchas personas optan por colgar en sus muros cuadros decorativos de tienda departamental antes que una obra original y de autor.

No es un medio fácil para que florezcan artistas: tenemos que autofinanciar nuestras exposiciones, no hay patrocinadores, no hay o casi no hay galerías que comercialicen la obra, hay contados espacios para exponer  y  muy pocas personas asisten a exposiciones regularmente (si eliminamos de la cuenta a familiares y amigos, a los que se les agradece infinitamente siempre estar)… esto puede ser muy desmotivante.

RCA- El año pasado obtuviste el premio estatal de Libro Álbum Ilustrado para niños y el premio de adquisición en la IX Bienal Sudcaliforniana de Artes Visuales ¿Qué te dejan estos dos logros en el aprendizaje de tu oficio artístico?

AG- Soy una persona de metas y objetivos, quería participar en ambas y honestamente nunca había participado en ningún concurso ni de pintura y menos en uno de libro álbum (que implicaba además escribir con un cierto nivel de propiedad) pero tenía dos opciones: derrotarme antes de intentarlo o intentarlo y no quedarme con las ganas ni la duda, así que decidí lo segundo y con ello también me comprometí a entregar lo mejor de mí en el proceso.

Las fechas estaban muy cercanas, así que tuve que tener mucha disciplina, establecer tiempos para pintar, para escribir y por supuesto para que el resto de mi vida funcionara (tengo un empleo de tiempo completo y soy mamá de dos niñas),  hay varias lecciones que me llevo de esto: La primera es que yo no puedo darme el lujo de dudar de mí, eso se lo dejo a otros, la segunda: Si vas, vas con lo mejor que tengas, hay que exigirse y dar calidad, también pedí mucha retroalimentación en el proceso.  Y la tercera: todo es posible con constancia y disciplina, el fruto llegará de una forma u otra.

RCA- Tu trabajo comunitario es importante y ha dado frutos positivos ¿has pensado en trabajar arte público, como murales, en conjunto con artistas, niños y jóvenes, como medio de nutrimento social?

AG- Me encantan los murales al igual que el grabado tienen la capacidad de conectar con un público muy amplio y justamente de educar al espectador, de despertar la sensibilidad, de simplemente recrear la vista y sentir el placer de lo estético en el día a día, sin tener que trasladarte a un recinto especial… me parece fabuloso que los espacios públicos además de contar con infraestructura consideren murales y esculturas.

He colaborado en un par de murales desarrollados con las ideas de otros y me gustó la experiencia y me encanta trabajar con niños y jóvenes,  y citaré a Picasso: “Me tomó cuatro años pintar como Rafael, pero me llevó toda una vida aprender a dibujar como un niño” ellos son los verdaderos artistas, ahí está el arte en su forma más pura. Los artistas adultos somos niños que logramos sobrevivimos al sistema educativo y las embestidas de la realidad.

RCA- ¿Qué proyectos ocupan tu mesa de trabajo actualmente?

AG- Actualmente estoy trabajando un proyecto hermoso con la poeta Yaroslaby Bañuelos, se titula “Los Hilos de la Memoria”, es poesía, pintura y arte objeto basados en una serie de versos de su autoría en los que conversa con su madre y rememorando su infancia en el Oasis de los Comondú.

La poesía es un gran detonador de mis ganas de pintar y Yaroslaby y yo, como muchos sudcalifornianos venimos de padres y/o abuelos que vivieron en el campo, en las comunidades rurales, en ranchos, donde la vida se vivía a otro ritmo y se le daba un valor distinto a las cosas. Es un proyecto lleno de nostalgia y evocación, nunca había estado en los Comondú y no pude evitar hacer el viaje hasta allá, es increíble el poder del escritor: la última vez que ella visitó el Oasis era una adolescente, pero cuando yo llegué años después, el zumbido de los moscorrones seguía ahí dónde lo dejó,  los colibríes continuaban sumergiéndose en las dalias, el murmullo del oasis y lo demás ya no se los cuento para que vengan a verla... Estaba programada para exponerse en Mayo, con la situación actual seguramente será reprogramada.

GALERÍA

EL CROMATISMO HIPNÓTICO EN LA OBRA DE VANIA FERNANDA TORRES

SEMBLANZA

Vania Fernanda  o Banania Torrez como se encuentra en las redes es una creativa de la ciudad de La Paz B.C.S. Egresada de la carrera de diseño interior y dibujante e ilustradora autodidacta de toda la vida.

Su obra se caracteriza por  fundamentarse en la mezcla de técnicas, tanto análogas como digitales, contrastes de colores, bosquejos muy marcados y un gran deseo de exploración tanto interna como externa.

Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en la ciudad de La Paz y Ciudad de México, en convocatorias diversas  y proyectos editoriales además de prestar sus servicios de diseño e ilustración a empresas locales y extranjeras.

“Cada obra es una escena que se queda flotando en el aire y se reproduce una y otra vez en mi memoria”.

ENTREVISTA

Raúl Cota Álvarez- ¿Cuándo se dan tus primeros acercamientos a las artes visuales?

Vania Fernanda Torres- Mi primer acercamiento a las artes visuales se dio a través de libros ilustrados que se encontraban en la casa familiar en los años de mi infancia, recuerdo que esas bonitas imágenes me inspiraban mucho.

RCA- La hibridación de técnicas en tu obra genera efectos intensos en la apreciación del color y las texturas. Como artista ¿Cuál es la intención de esa mezcla?

VFT- Entretener. En el sentido de generar interés.

Entretenerme yo al pensar la obra, mantener mi interés al hacerla y al contemplarla y que el espectador también lo haga. Creo también que un rasgo de mi persona  y gustos que expreso en el arte, me gusta como un conjunto de elementos aparentemente  no relacionados pueden unirse para crear algo completamente diferente.

RCA- En gran parte de tu obra la figura humana ocupa un papel importante ¿Qué papel juega en tu percepción de la obra de arte?

VFT- Pienso que es en la imagen humana donde como espectadores podemos proyectarnos de manera más personal  en una obra de otra visual. Como humanos ver a otro humano aunque no sea real, siempre va a generarnos alguna clase de impacto.

RCA- ¿Cómo ha sido el camino para mostrar tu obra en el estado, ha sido fácil, se abren las puertas disponibles?

VFT- Considero que al estado le falta mucho en cuestión de cultura y difusión artística/cultural. Pero si he tenido la suerte de conseguir algunas de las oportunidades que existen.

RCA- ¿Qué implica para un artista visual ilustrar un libro, hacer convivir y coincidir un mismo mensaje en dos distintos géneros: literatura y pintura?

VFT- Pues implica tener la capacidad de salirse del papel de “artista” para realizar y formar otras capacidades, como la escritura, la investigación o el diseño editorial.

RCA- ¿en qué estás trabajando actualmente?

VFT- Por el momento estoy trabajando en mi persona y espero el paso de la contingencia para pintar un mural o varios, en el mejor de los casos.

RCA- ¿se puede seguir tu trabajo en redes sociales?

VFT- Si claro. Estoy en Fb e Instagram como Banania Torrez.

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EL UNIVERSO INTERIOR EN LAS TINTAS DE NORBERTO WARNER

SEMBLANZA

Originario de Guerrero Negro, crecí en un ambiente rodeado de cosas y formas que constantemente me traían recuerdos o me hacían crear un lugar para jugar con ellos. De manera autodidacta y con el paso del tiempo he aprendido a expresar, a través del dibujo, más cosas que sólo trazar sobre un papel. Usándolo como medio para conocer mi subconsciente he podido tomar distintas situaciones como la psicosis, alegría o miedo, para usarlas en cada trabajo que hago y poder crear ese vínculo de percepción con mi entorno. Así, logrando de algún modo que el juego trascienda.

ENTREVISTA

Raúl Cota Álvarez- Mencionas que tu formación fue autodidacta ¿Cuándo comienzas a dibujar en forma, lejos del dibujo experimental?

Norberto Warner- El dibujo se me dio desde la niñez. A los 16 años hubo un cambio al crecer, y ya no solo dibujaba las formas que encontraba en mi entorno sino también comencé a expresar las situaciones y sentimientos vinculados a esas formas tales como alegría, psicosis, miedo o ansiedad. Con lo cual vino ese gusto con crear dibujos en donde la relativa complejidad radicaba en su mensaje, más que en las líneas. Con los años y la práctica el detalle fue cada vez mayor así como la composición lograda en cada obra.

RCA- Tus obras tienen una carga psicológica marcada, lo que permite que juegues con escenas surrealistas casi siempre habitadas por el elemento humano, sin darle protagonismo, siempre a medio aparecer o desaparecer ¿hasta dónde hay una carga autobiográfica en estos trazos, que tanto hay de catártico en ellos?

NW- Creo que como cualquier otro medio de expresión ya sea un poema, una canción o una pintura, el dibujo contiene la esencia de la mente que está detrás. Una parte, un recuerdo o una emoción que nos describe. Y como algo inherente a la conducta humana me gusta ir de un extremo a otro, algunas veces ser condescendiente o jugar con lo desagradable.

 RCA- En la etapa reciente de tu trabajo plástico impera el reino de los insectos, con un detalle trabajado al milímetro ¿Qué es lo que más te atrae de este mundo?

NW- Bichos fue un trabajo increíble, porque me permitió adentrarme en un mundo ajeno en donde podía ver similitudes con el nuestro si lo observaba con cuidado. Exoesqueleto, pupas, magia, apéndices y ojos compuestos fue la perfecta composición detrás de esta serie. Un dato muy padre, fue que un año antes de presentar Bichos estuve investigando temas relacionados en los cuales tuve una excelente referencia de una muy buena amiga biólogo entomólogo, la cual es especialista y con la cual tuvimos la mejor retroalimentación mientras más ideas llegaban.

RCA- El pequeño y mediano formato permiten a muchos artistas generar un vínculo de intimidad y cercanía con sus trabajos, enfocar su atención por completo a la obra ¿es tu caso, o has pensado ya trabajar algunas piezas en gran formato?

NW- Me gustaría intentar  hacer algo en una escala como mural o algo en una escala mayor a lo que normalmente hago.

 RCA- La exposición de tu obra en la galería de la Casa del Libro Sudcaliforniano reunió a un importante número de espectadores y generó muy buenos comentarios sobre tu trabajo ¿con que te quedas de esa interacción entre el público y tu obra?

NW- Fue increíble ver como la obra atrajo tanto a conocidos como a otros nuevos que se acercaron a observar, algunos por gusto otros tal vez por curiosidad. Como sea hubo momentos que la sala estuvo llena de personas contando las pequeñas hormigas, otras repudiando las cucarachas y otras admirando las mariposas. Creo que si  logras esa interacción e interés en cualquier obra que realizas, es cuando realmente trasciende.

 RCA- ¿Cuál es el siguiente paso en tu trayectoria plástica?

NW- Este año, estoy trabajando en una nueva serie de dibujos que llamaré Memoria. Quiero retomar elementos anteriores ya que al final es un mismo estilo pero quiero que cada obra sea más trabajada en detalle, lograr que al observarla puedas retroceder un poco en algún recuerdo y sentirlo. Un equilibrio entre reminiscencia y melancolía es lo que busco ahora.

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