SIMBOLISMO Y ANALOGÍA EN LA OBRA DE ALEJANDRO CURIEL

SEMBLANZA

Alejandro Curiel es un Pintor radicado en Loreto, Su obra abarca la pintura de caballete y mural. Aunque es principalmente autodidacta, Tomo cursos en el Instituto Cultural Cabañas en Guadalajara a la edad de 16 años.

Ha desarrollado un discurso plástico muy  influenciado por Caravaggio, Klimt, la Pintura Española, la Flamenca , La estampa  Japonesa, El expresionismo, y por supuesto , por el Desierto Sudcaliforniano.

 Sus obras expresan temáticas sociales, matizadas de misticismo y un total desapego por el eufemismo, no así por la irreverencia o inocencia.

 En sus lienzos podemos encontrar simbolismos religiosos y analogías socioculturales, así como su gusto por las aves, el paisaje y textos en Latín.

Es creador del mural “RADIX HOMINEM” el cual adorna la escalinata  del Palacio Municipal de Loreto  convirtiéndose en un atractivo turístico para los visitantes y habitantes del municipio.

Ha expuesto, organizado y/o colaborado en diversos eventos culturales en las ciudades de Guadalajara, Puerto Vallarta, Loreto, Tijuana, Culiacán, Hermosillo, Ensenada, La Paz y CDMX. Fue becario del Programa de estímulo a la creación y al desarrollo artístico de Baja California Sur 2013 y 2016.

Ha sido acreedor del Premio Carlos Olachea Bouscieguez en las ediciones 2013 y 2019.

Actualmente sigue dando clases  y mentorías virtuales de pintura e historia del arte en su estudio en Loreto BCS a la par que desarrolla la “ICONOOGRAFIA LAURETANA” proyecto de gran formato que versa sobre la manifestación de lo sagrado en el arte rupestre, los aspectos históricos de la región y sus personajes desde los días de su fundación hasta la época contemporánea.

ENTREVISTA

Raúl Cota Álvarez- Hablando de técnica, ¿en cuál sientes que el mensaje de tu obra se comunica de manera más directa?

Alejandro Curiel- Bueno mira, No es que haya una técnica mejor para decir esto o aquello. Siempre eh puesto un gran empeño en que mi obra tenga contenido. Para mí siempre ha sido gran menester el “Que”. El “Como” viene después. 

El óleo es la técnica que prefiero, me es muy versátil.. Aunque  en el transcurso de mi carrera eh practicado muchas de las técnicas tradicionales.

Una de las técnicas que aprendí desde muy chico fue el temple al huevo. (Desde siempre me gustaron los procesos alquímicos…) Me encantaba separar la membrana de la yema,  ir a las antiguas tiendas del centro de Gdl a comprar materiales y pigmentos. Yo era  un morrito de 10-11 que iba a una  botica detrás del hospicio Cabañas a comprar formol, imaginaras la cara de los boticarios al verme todo chiquito  pidiendo tales cosas, jaja.

En el periodo de la secundaria, con acuarelas, pinté “monos chinos” pinté personajes de Marvel, diseñaba graffitis con seres mitológicos con ojos de fuego y demás quimeras q se me ocurrían.

Me fascinaba hacer reproducciones y paráfrasis de  obras clásicas de la colección del museo del prado. Dibujaba mucho en ese entonces.

Eso sí, la que me ha exigido más ha sido el Fresco, por los procesos fisicoquímicos y temporales que implican.

RCA- ¿Cuál es tu opinión del estado actual de la plástica sudcaliforniana?

…

AC- Pienso que padece un inmenso letargo.

Siento que la visión  del quehacer artístico es “Simple”.   O más bien dicho “simplista”. Los creadores  sudcalifornianos se han contentado con la mera repetición de sus elementos naturales, históricos y socioculturales de una manera la cual me parece funesta  —una conchita, unas panguitas, una ballenita, un cardoncito ...

Por supuesto, como en todo, hay excepciones  muy honorables. Con nosotros conviven figuras que poseen un discurso propio  y un manejo  técnico de alta calidad. 

Aun así,  creo que la nuevas generaciones están esforzándose, por ahí hay chavos muy entusiastas que  están  tratando de rescatar e impulsar  las artes. 

“no hay más camino que  chingarle”.

RCA- Tu obra es irreverente y en algunos casos podría etiquetarse de políticamente incorrecta, lo cual la dota de un elemento estético muy fuerte. ¿Cómo ha jugado esto a favor o en contra del artista a la hora de vender las piezas?

AC- Ciertamente es una espada de doble filo. El discurso te cierra un mercado pero te abre otro.

No ha sido fácil claro, pero hay que soportarlo con buena cara e ímpetu.    Veras, siempre He recibido una opinión  dual  de mi trabajo, la  mitad de mi obra ha sido aplaudida y la otra rechazada llegando incluso en  algunas ocasiones a ser censurada.

 Aun así, el discurso áspero es el que me ha dado entrada a círculos importantes en la escena  artística. Y es el que ha marcado la pauta en mi producción.

Por supuesto no es fácil vender la idea de “un par de sujetos arrodillados, adorando sus estómagos y corazones” pero siempre habrá algún coleccionista que apueste a tu perspectiva.

Afortunadamente para mí,  esas piezas q podríamos catalogar como fuertes o irreverentes  son ahora pieza clave  que decoran  algunas casas o edificios públicos.

Y  Por ejemplo en el caso de las comisiones, uno debe atender las necesidades del cliente y entregarle valor, debes ser condescendiente más nunca doblegar el espíritu. Eso es lo que me ha funcionado a mí. Gracias a esta postura eh conocido a gente que se ha  convertido en las  personas más importantes de mi vida: Mi mujer, grandes amigos, colegas, mentores y coleccionistas  de quienes siempre estoy aprendiendo.

RCA- La galería y el arte público son pilares de muestra en tu trayectoria ¿Cómo estamos como escena en el arte mural, que nos falta?

AC- Esta respuesta se parece a la núm. 2…  el profesionalismo es muy cuestionable. Creo que nos falta abrir el rango de visión,  ahondar en el contenido, abrir nuevas brechas,  y si  gustas, regresar a caminar senderos olvidados.  Históricamente como mexicanos tenemos una escuela Mural impresionante Los frescos de Rivera, de González Camarena, de Orozco.

 Es imposible no catalogarlos como magnánimos esplendorosos, aterradores.

 Eso es lo que debería aspirar un artista. ¡A la atemporalidad! 

¿Qué sería del graffiti sudcaliforniano si   este se uniera con la energía  de los murales de Luca Signorelli  o  los mosaicos de Ravena, o la disciplina  que tienen los artistas del street art en Tokio? ¿Qué sería del muralismo sudcaliforniano si entendiera la visceralidad del arte rupestre expresado en las  antiguas cuevas  de la california?

¿Qué pasaría?

RCA-  ¿Cuál es tu opinión de los espacios existentes para la exhibición de obra plástica?

AC- A este tenor creo q es una gran responsabilidad de parte de nuestras autoridades el  crear espacios y habilitar los ya existentes para que haya una  escena artística sana y  fuerte,  y al mismo tiempo  nos toca a nosotros como comunidad  exigir  contenido de calidad.

Vienen nuevos aires,  se está construyendo el museo de arte de la paz, y eso me emociona. Esperemos que sean vientos frescos y  que con sus esfuerzos  y los de la comunidad revitalicen  parte de la escena  noroeste.

RCA- El entorno no es ajeno a tu trabajo, y es marco frecuente de temas sociales, religiosos, metafóricos… ¿Qué tanto han influenciado el mar y el desierto tu trabajo, desde la concepción de la obra hasta su tratamiento?

AC- El desierto se ha convertido en el origen, el transcurrir y el  destino de mi pensamiento, Por tanto de mi producción.

El desierto no como ecosistema sino como metáfora, como un lugar inhóspito. Como una inmensidad  abrumadora, como la extrema soledad. Donde entiendes que carambas es la libertad.

Es la tierra de Jesús, es la de Zarathustra.. Es aquí donde uno  prevalece o desaparece. El desierto es inmisericorde más siempre bien generoso si se aprende a labrarlo.

RCA- Además del iconografía lauretana ¿Qué proyectos estas trabajando actualmente?

AC- Bueno ya con la iconografía es bastante, es una obra en la cual me he ocupado desde el año pasado,  y ya está al 90 % de ser completada. El formato  de esta pieza  ha exigido muchas adecuaciones a mi estudio  y a mis saberes. Son los lienzos más grandes que se han hecho en estas tierras, podría pensar que en toda la península, me gusta pensar que este puede ser un gran hito en la plástica sudcaliforniana…

Por otra parte,  Hasta hace unas semanas atrás, seguía dando clases de pintura en mi estudio, ahora , en tiempos Covidianos, las he trasladado al celular y mira que se han generado  buenos resultados, aun con el distanciamiento.

Tengo  una exhibición inédita llamada EMBLEMATA  que eventualmente voy a presentar, son alrededor de 21 piezas basadas en la mística medieval  hebrea,  la estética rupestre y  caracteres japoneses kanji, así como  algunas expresiones contemporáneas.

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